Pontormo alle Scuderie del Quirinale: tra Firenze, Roma e la nascita del Manierismo.

Un percorso attraverso la mostra per comprendere la complessità di un linguaggio artistico che, nel Cinquecento, mise in discussione le regole del Rinascimento.

Il Manierismo fu un linguaggio artistico che si diffuse nel XVI secolo, inizialmente tra Firenze e Roma. Calato all’interno del lungo periodo del Rinascimento, il Manierismo si distingue in tre fasi: una fase sperimentale o eccentrica, caratteristica dei primi decenni del secolo; una fase riformata e, infine, una fase controriformata, che va dalla metà del Cinquecento fino alla metà del secolo successivo.

La mostra si apre ponendo in dialogo le prime due decadi del Cinquecento, caratterizzate da una molteplicità di tematiche che contribuirono ad alimentare il dibattito all’interno della società dell’epoca. Tra le principali dispute, una delle più evidenti riguardò la questione della lingua e, in particolare, quale modello adottare nella penisola italiana: Dante, Petrarca o Boccaccio, le Tre Corone, oppure il latino; o ancora la lingua parlata all’interno delle Corti, come sosteneva Baldassarre Castiglione (non è un caso che Raffaello dipingesse proprio un suo ritratto). Vi era infine il volgare, quello parlato dalla nascente borghesia, costituita da mercanti che, per redigere conti e annotare acquisti e vendite, crearono una propria forma linguistica, poi confluita nei dialetti.

Fu l’umanista Pietro Bembo a sedare brillantemente la contesa, indicando nel volgare fiorentino la varietà più versatile e capace di raggiungere una stragrande maggioranza di persone. Anche un altro elemento, da non sottovalutare, contribuì a rendere particolarmente vivace il panorama culturale: l’avvento della stampa e, con essa, la riproduzione di centinaia di xilografie. Stilisticamente efficaci furono quelle tedesche realizzate da Albrecht Dürer, che inondarono in breve tempo molti centri artistici italiani. Gli originali delle xilografie di Dürer, presenti nel percorso della mostra, testimoniano la diffusione di questi modelli, dai quali Pontormo studiò per realizzare il lavoro al Galluzzo. 

Tra le varie contese, anche gli artisti furono protagonisti del dibattito, consapevoli della necessità di rivendicare l’autorità del proprio lavoro e, soprattutto, di quell’esercizio al naturale che richiedeva sempre più la capacità di confrontarsi costantemente con i rapidi cambiamenti del tempo. Proprio questo continuo aggiornamento li spinse a riflettere sul proprio ruolo e sul significato della loro attività, favorendo l’elaborazione di nuove teorie. Giunsero così alla consapevolezza che il loro mestiere non consistesse soltanto nell’imitare la natura, ma potesse essere concepito come parallelo alla sua stessa attività creatrice.

Tali osservazioni furono raccolte in un corpus di epistole riconducibili all’umanista Benedetto Varchi. In particolare, una lettera simbolica, indirizzata agli artisti, riflette sul primato delle arti. La risposta non si fece attendere, sia da parte di Michelangelo sia da parte di Bronzino, allievo di Pontormo, che considerava la pittura una delle forme artistiche più complete, poiché richiede all’artista il massimo impegno nella ricerca e nella realizzazione di una forma non corrotta, ma perfetta.

Il percorso espositivo si apre con il confronto tra le grandi Pale della Santissima Annunziata di Firenze, realizzate da Pontormo, Andrea del Sarto e Rosso Fiorentino (nelle carte soprannominato Rubeus), per accompagnare il visitatore attraverso le successive sezioni, dedicate alle committenze delle compagnie religiose e a quelle più raffinate delle famiglie fiorentine dei Medici e dei Capponi.

A completare l'esposizione, oltre alla quadreria dei ritratti di giovani nobili, si aggiunge un corpus di disegni, abbozzi e studi che restituiscono l’immagine di un artista tenace e instancabile, talvolta quasi ossessivo nel proprio lavoro, come dimostrano le annotazioni personali in cui registrava persino gli alimenti dei pasti e gli orari in cui andava a coricarsi. Di particolare interesse sono anche i prestiti provenienti da collezioni private, che permettono di ammirare opere poco visibili al pubblico e di individuare nuovi collegamenti stilistici. A questi si affiancano gli apparati ricostruiti, che offrono una lettura iconografica dell’architettura della villa di Poggio a Caiano e della cappella Capponi nella chiesa di Santa Felicita a Firenze.

Nel suo insieme, questa prima grande mostra monografica dedicata a Pontormo invita il visitatore ad approfondire le molteplici sfaccettature del Manierismo e a comprendere meglio un linguaggio artistico ancora poco indagato nell’area romana. Proprio Roma, tuttavia, costituisce uno dei centri fondamentali per comprenderne la nascita e lo sviluppo, anche alla luce del confronto degli artisti con la grande lezione della Cappella Sistina.

In questo contesto si inserisce anche l’ultima lunetta affrescata da Rosso Fiorentino, con la Creazione di Eva, a Santa Maria della Pace, a Roma. Consunta dal tempo e poco nota al pubblico, rappresenta una testimonianza fragile ma significativa degli eccessi manieristi del periodo clementino e merita una visita da parte degli appassionati di storia dell’arte. L’opera rimase incompiuta dopo che l’artista fu colto da una grave crisi personale. Proprio mentre le novità introdotte dagli artisti fiorentini si diffondevano e venivano rielaborate, la scena romana trovò un nuovo punto di riferimento nell’attività di Giulio Romano, del Penni, di Perin del Vaga e di Baldassarre Peruzzi. Attraverso le loro opere prese forma una elaborazione stilistica, che reinterpretò la lezione manierista e finì per affermare un orientamento diverso rispetto alle prime sperimentazioni fiorentine.

Questo articolo si compone di due parti: in questa prima parte viene ricostruito il contesto culturale e artistico nel quale si sviluppò il Manierismo, mentre nella seconda parte verranno analizzate alcune delle opere più significative presenti nel percorso della mostra.